Archiv 2013/14

Lewis Carroll's Alice in Wonderland erzählt die Geschichte des Erwachsenwerdens in einer "verrückten" Welt. Erstickt vom staubigen Viktorianismus ihres Elternhauses flieht Alice durch den Kaninchenbau ins Wunderland. Und eine Verrücktheit löst die andere ab: Figuren wie der Hutmacher, die Grinsekatze und die Herzkönigin zeigen Alice ein Fantasiereich, das zunächst nach großer Freiheit aussieht. Schnell wird jedoch klar, dass es hier um eine Welt geht, in der gesellschaftliche Regeln und Konventionen radikal zu Ende gedacht werden. 

Für Alices Abenteuer gibt es viele Deutungen. Während manche das Ganze für ein Spiel mit mathematischer Logik halten, betonen andere die psychoanalytischen Untertöne der Geschichte. Und wieder andere schwören darauf, dass es sich bei der Erzählung um die ausführliche Beschreibung eines LSD-Trips handelt. Lewis Carroll selbst betont die Entstehung der Geschichte: die einzelnen Episoden seien allein zum Zeitvertreib bei nachtmittäglichen Bootsfahrten entstanden und waren eher als flüchtigen Momentaufnahmen gedacht. Schriftlich fixiert hat er sie erst Jahre später. 

Vielleicht ist es der Vielseitigkeit und Universalität des Stoffes zu danken, dass sich seitdem zahlreiche Alice-Adaptionen ins Gedächtnis der Popkultur eingeschrieben haben. Von Walt Disney bis Tim Burton – jede Neuinterpretation entwirft ihre eigene Bildwelt und eine ganz eigene "Verrücktheit". In Levin Handschuhs Diplominszenierung wird das Wunderland zum Einbrecher. Nicht länger fernes Fantasiereich, fällt es ein in Alices Zuhause. Die beiden Welten treffen zusammen, reiben sich aneinander, ineinander und vielleicht auch aneinander auf. Roland Schimmelpfennings sprachlich virtuose Fassung bietet den Hintergrund für ein Spiel mit Identitäten: Was macht uns zu der, die wir sind? Inwiefern konstruieren, performen und behaupten wir uns selbst? 

Auch in der Komposition wird dieses Ineinanderwirken der Welten erfahrbar. Die Musik schwankt zwischen Extremen: Kammermusik und Elektro-Klänge kämpfen um die Oberhand und die Frage nach dem Gewinner wird letztlich zur Frage der Selbstbehauptung. Welche Realität darf gelten? Wessen Geschichte darf erzählt werden? Das Wunderland wird zum Abgrund, der die Instabilität einer als sicher geltenden Bürgerlichkeit enttarnt und gleichzeitig den Wunderland-Gedanken in seiner Radikalität entlarvt. Durch ein Wechselspiel von Sprache, Maske und Musik entsteht ein popkulturelles Kaleidoskop das die Fragilität unserer Realitäten verzerrt, vergrößert und wiederspiegelt. 

"Krieg ohne Kanonendonner" – so beurteilte George Orwell 1941 den internationalen Leistungssport. Würden wir das heute auch unterschreiben

Beispielhaft nahe liegen Sport und Kriegsbereitschaft in den filmischen Bildern von Leni Riefenstahl beisammen, die 1936 meisterhaft Ideologie und Begeisterung transportierten. Zu jeder Zeit warfen die Spiele durch weltumfassende Krisenherde und terroristische Bedrohungen Grundsatzfragen auf. Was also bieten die olympischen Spiele der Neuzeit, ein idealistisches Projekt des 19. Jahrhunderts: Unterhaltung, Kampfgeist oder Gemeinschaftsgefühle auf Abruf? Großveranstaltungen, wie sie im Vier-Jahres-Rhythmus vom Internationalen Olympischen Komitee veranstaltet werden, liefern auch heute Prestige und politischen Zündstoff gleichermaßen. Der Olympische Gedanke ist vor Instrumentalisierung nicht gefeit, sei es für die Werbung von Weltkonzernen oder von Staatssystemen. Vor dem Hintergrund von Dopingskandalen, IOC-Knebelverträgen und Milliardendeals für TV-Übertragungsrechte, was bedeuten da Vokabeln wie Sportsgeist? Fairness? Gesundheit? Freiheit?

Das Bild des Helden, eines gesunden Menschen, eines Siegers wirft auch heute aktuelle Fragen auf, individuell in den Biographien des Athleten im Leistungssport sowie angesichts der "unsportlichen" Mitglieder der Gesellschaft: immer nah und intim am Körper des Sportlers, doch durch unüberwindbare Barrieren wie Flachbildfernseher, Public Viewing und Stadionarchitektur abgetrennt. Wie die technologische Perfektionierung von Messungsmethoden im Hochleistungssport gewinnt auch die Leistungsbeurteilung im Alltag an Popularität. 2011 in München hat sich Deutschlands erste Quantified-Self-Gruppe gegründet, deren Methoden von "Lifelogging, lifecaching, lifestreaming" über "Psychological self-assessments" und "Medical self-diagnostics" bis zu "Personal genome sequencing" reichen. Sicherlich wäre unsere Welt ärmer ohne die heldenhaften Idealbilder von Erfolg, Potenz und vollendeter Jugend, doch taugen sie wirklich als Vorbilder? 

Ohne Kanonendonner, doch nicht ohne musikalisches Rüstzeug laden wir Sie zu einer musiktheatralen Recherche ein, die auch vor live-Elektronik nicht Halt macht. Als Leistungssportler treten acht Athleten aus dem Master-Studiengang Operngesang an, um sich in verschiedenen Disziplinen zu messen: nicht zuletzt an Passagen des Librettos Die Olympiade von Pietro Metastasio (1698–1782) und dessen zahlreichen musikalischen Umsetzungen von Vivaldi bis Mozart. 

Die Absolventinnen und Absolventen des Masterstudiengangs Musiktheater / Operngesang können auf eine "sportlich" und künstlerisch anspruchsvolle Zeit an der Theaterakademie August Everding zurückblicken, beenden diese mit einer Olympiade und präsentieren dabei Sport für die Ohren!

Martina Veh und Eva Pons setzen gemeinsam Ihre erfolgreiche Zusammenarbeit mit den Operngesang-Studierenden fort, die 2013 mit der Nürnberger Puppe von Adolphe Adam begann.

Von Menschen, die lieben und hassen, die hoffen und bangen, die einander begehren und quälen, verdammen und brauchen, von Getriebenen einer Gesellschaft, in der das persönliche Glück alles und der andere nichts bedeutet, vom alltäglichen Kampf um eine sinnvolle Existenz in einer sinnentleerten Welt, davon erzählt Rainer Werner Fassbinders 1971 entstandenes Stück Blut am Hals der Katze.

Existenzielle, meist unerträgliche Situationen jagen einander, kaleidoskopartig, oft so brutal und ausweglos, dass die Sprache, mit der die Figuren die Situation zu meistern versuchen, der Größe und Wichtigkeit des einzelnen Augenblicks nicht mehr gerecht werden kann. Immer wieder verirren und verlieren sie sich in kargen Formulierungen, ringen vergeblich um die richtigen Worte, büßen in leeren Floskeln ihre Individualität ein. 

Phoebe Zeitgeist, ein Alien, der von einem anderen Planeten auf die Erde gekommen ist, will die Menschen begreifen lernen, die wie Untote orientierungslos durch eine Welt und ein Leben treiben, wo Träume kaum mehr in Erfüllung gehen. So lebt sie eine Zeit lang unter dieser seltsamen Spezies, deren Sprache sie nicht versteht, obwohl sie die Worte kennt. 

Der Trojanische Krieg – Tummelplatz der Götter und Helden, Blaupause für den Krieg an sich, den Krieg als Mythos. Der verwundete Philoktet als Ausschussware der Leistungsschlacht, als Versehrter, der für jegliches Heldentum ungeeignet scheint. Ausgesetzt auf der Insel Lemnos fristet er zehn Jahre in Einsamkeit, bis schließlich vor den Toren des noch immer nicht gefallenen Trojas der Orakelspruch ergeht, die Stadt könne nur mit Hilfe Philoktets eingenommen werden. Odysseus und Neoptolemos – der Sohn des Achill – stechen in See, um den einst Aussortierten zu überzeugen, der gottgewollten Verpflichtung folgend aufs Schlachtfeld zurückzukehren. 

In Sapir Hellers Inszenierung wird Philoktet zum aktiven Kriegsverweigerer, zum Hinkebein und Stinkefuß im Gleichschritt des Kriegsalltags. Im Wechselspiel zwischen Sprache, Körper und Musik entsteht eine Kampfzone, die Sophokles und Heiner Müller, Pop-Trash und Hörspielkunst, Choreografie und Improvisation, System und Abweichung aufeinander hetzt. Ein Assoziationsspiel rund um Krieg, Trauma und Terror, rund um den Durst nach Kommunikation und die Ambivalenzen von Gemeinschaftsgefühlen und Individualismen. So entsteht ein Kosmos innerhalb dessen die Grenze zwischen Subversion und Konformismus irgendwo zwischen schiefen Beats, verzerrten Silben und verfehlten Schrittfolgen verläuft. 

Dass Titanic in der Theaterkantine gespielt wird, ist kein Zufall. Die beiden Servicekräfte Elli und Alberta sind glühende Fans des Films Titanic. Am Abend der Oscar-Verleihung fiebern sie vor dem Fernseher. Mit allen Mitteln der Kantine spielen sie den Gegenwert von elf Oscars, inklusive Eisberg und Orchester. Sprechen Sie ruhig die Dialoge mit, die Sie ohnehin auswendig kennen – und lernen Sie, dass keine Special Effects nötig sind, um eine Liebe zu spielen, tief und unendlich wie der Ozean ...

Hildegard Knef machte zu ihren Lebzeiten vor allem durch Schlagzeilen auf sich aufmerksam. Ob nun freizügige Filmauftritte, Liesancen mit verheirateten Männern oder mehrere umstrittene Schönheitsoperationen: Die Knef polarisierte ihr Publikum sowohl in ihrer deutschen Heimat, wo sie abwechselnd gefeiert und angefeindet wurde, als auch in den USA, wo sie weniger erfolgreich in Filmen, dafür aber umso erfolgreicher am Broadway spielte. Heute ist "die beste Sängerin ohne Stimme" (Ella Fitzgerald) auch der jüngeren Generation durch ihre Chansons bekannt, denen eingängige Melodien und selbstreflexiven Texte eigen sind, und die von Hildegard Knef immer mit einem Schuss Ironie vorgetragen wurden.

In Kooperation mit der Bayerischen Theaterakademie August Everding entstand am Theater Hof ein Abend, an dem das Publikum gemeinsam mit den drei Akteuren auf der Bühne die Person Hildegard Knef erforschen, kennenlernen und erfahren kann. Auf diese Weise versuchten die Regie-Studentin Sapir Heller und der Dramaturgie-Student Stefan Herfurth zusammen mit den Schauspielern und dem Pianisten, dem Mythos dieser letzten großen deutschen Diva näher zu kommen und ihn für alle, die er interessiert, verständlich zu machen.

Sie glauben, Kiffen sei ein Kavaliersdelikt und Marihuana, die am häufigsten konsumierte illegale Droge, richte doch wohl kaum nennenswerte Schäden an? Falsch gedacht! Nehmen Sie als abschreckendes Beispiel diese gar furchtbare Geschichte: Das junge Liebespaar Jimmy und Mary blickt in eine solide und glückliche Zukunft – bis Jimmy auf den skrupellosen Dealer Jack trifft. Ein Zug am Joint, und der brave Teenager verwandelt sich in einen hemmungslosen Junkie, den nicht mal mehr Jesus persönlich auf den rechten Weg zurückführen kann!

Basierend auf einem realen Aufklärungsfilm aus dem prüden Amerika der 1930er Jahre, präsentiert das erfolgreiche Off-Broadway-Musical die Geschichte von Jimmy und Mary als skurrile Komödie mit sarkastischen Untertönen und eingängigen Songs, irgendwo zwischen The Rocky Horror Show und Der kleine Horrorladen. Das Staatstheater am Gärtnerplatz und die Bayerische Theaterakademie präsentieren diese Neuentdeckung als erstes deutsches Theater in Kooperation mit dem Musicalstudiengang der Hochschule für Musik und Theater.

Das Jahr 1973: Damals, vor genau vierzig Jahren ist die Watergate-Affäre auf ihrem Höhepunkt. Ihr Protagonist, US-Präsident Richard Nixon führt geschickt die Kunst der medialen Selbstinszenierung vor – und scheitert. Ein Abhörskandal, der Geschichte schreibt, aber bereits in Vergessenheit zu geraten scheint.

Im gleichen Jahr werden die ersten Songs für das Musical Chicago geschrieben, die Vertonung eines Stoffes, der in den 1920ern seine Wurzeln hat. In dessen Zentrum stehen Roxie und Velma; Zwei Frauen, die dank eines Verbrechens ins Blitzlichtgewitter der Öffentlichkeit geraten und sich darin komplett neu erfinden. Der Stoff erlebt 2003 ein Revival durch die Verfilmung von Chicago durch Rob Marshall.

Deutschland 2013: Pünktlich zum vierzigjährigen Watergate-Jubiläum erschüttert ein weiterer Abhör-Skandal die Welt, zumindest ein bisschen. Und die Velmas und Roxies des neuen Jahrtausends erfinden sich inzwischen täglich neu, mit bis zu 100 Megabit pro Sekunde. Wie kann man mit der Überforderung durch diese Daten- und Informationsflut umgehen, wo befinden sich die Zusammenhänge? 

In 1973Paranoia, einer Musiktheater-Performance, die simultan in zwei Räumen stattfindet (1973: Chic'’A’Gogo – Eine Musical-Soirée in Akademietheater Mitte sowie 1973: Frost/Nixon – Eine Abhör-Collage in Akademietheater Ost), wird versucht, das Vergangene zu vergegenwärtigen und die Gegenwart aus der Vergangenheit zu betrachten, um der Überforderung vielleicht ein wenig beizukommen. Immerhin ist Jubiläum.

Rosmene und Clomiri sind verschwunden. Argenio und Tirinto quälen sich in Sorge um die Vermissten, als plötzlich Imeneo die Szene betritt. Er hat die beiden jungen Frauen vor ihren Entführern gerettet und fordert nun zum Lohn die Hand Rosmenes. Diese jedoch liebt Tirinto und hofft einer Entscheidung entgehen zu können. In Argenio, der die gesellschaftlichen Regeln gewahrt sehen will, findet Imeneo einen vehementen Fürsprecher, Tirinto hingegen kämpft um die Beziehung zu Rosmene und muss doch mit ansehen, wie diese unter dem Druck zu wanken beginnt.

Mit Imeneo hat Händel ein intimes Kammerspiel geschaffen, das die Beziehungen zwischen den Protagonisten, ihre Wünsche und Hoffnungen wie auf dem Seziertisch offen legt. Er folgt dabei einer Vorlage des Dichters Silvio Stampiglia, der Imeneo als ein sogenanntes "Componimento drammatico", ein halbszenisch angelegtes Werk anlässlich einer Hochzeit im Jahr 1723 verfasst hatte. Händel selbst arbeitete über mehrere Jahre an seiner Oper bevor sie schließlich im Jahr 1740 am Londoner Lincoln’s Inn Fields Theatre zur Uraufführung kam. Es ist seine vorletzte italienische Oper – dasjenige Genre, das über dreißig Jahre lang den Mittelpunkt seines Schaffens dargestellt hatte – bevor er sich ausschließlich der Komposition von Oratorien widmet.

Unter der musikalischen Leitung von Joachim Tschiedel und Maria Fitzgerald erarbeiten Studenten des Master- und Diplomstudiengangs Operngesang/Musiktheater Händels Imeneo gemeinsam mit der Regisseurin Mira Ebert.